Orlebar Brown Sommer 2023 – Interview mit Filmemacherin und Fotografin Marie Schuller

Haben die Kleidungsstücke zu den Geschichten gepasst oder die Geschichten zu den Kleidungsstücken?

Die Geschichten passen zu den Kleidungsstücken! Im Zentrum stehen die Kleidungsstücke, unsere Geschichten erwecken sie lediglich zum Leben. Am Anfang meiner Karriere habe ich für fünf Jahre im SHOWstudio von Nick Knight gearbeitet. Nick war voll und ganz überzeugt, dass es bei Modefilmen um die Kleidung gehen muss – nicht mehr und nicht weniger. Er glaubt nicht an „erzählerische“ Modefilme, weil die Kleidungsstücke seiner Meinung nach die eigentliche Geschichte sind.

Ich setze zwar erzählerische Elemente, Dialoge und andere cineastische Methoden ein, die Nick mit seiner puristischen Sicht auf Modefilme vermutlich ablehnen würde, doch im Grunde verstehe ich seine Einstellung. Wenn man einen Film über Mode dreht, müssen die Kleidungsstücke die Stars sein. Alles andere ist nur eine Vision, deren einzige Aufgabe es ist, die Geschichte der Kollektion ins Rampenlicht zu rücken.

Was war deine Vision im Hinblick auf die Ästhetik der Kollektion in den Filmen und wie konntest du sicherstellen, dass die ausgewählten Stücke dieser Vision entsprachen? Oder war es vielleicht umgekehrt?

Bei der Kombination von Film und Mode ist es immer am wichtigsten, dass die Charaktere, die wir kreieren, authentisch und glaubwürdig erscheinen, und dass die Kleidungsstücke, die sie tragen, ihre Persönlichkeit ausdrücken und natürlich erscheinen. Ich hasse es, wenn Darsteller zu sehr gestylt oder geschniegelt aussehen. Das fühlt sich inszeniert an und plötzlich zerfällt die vor der Kamera geschaffene Welt, wird als Vortäuschung entlarvt. Um die Illusion zu bewahren und das Gefühl zu kreieren, in eine andere Welt katapultiert zu werden, müssen alle Elemente in Harmonie funktionieren. Das Styling spielt in diesem Zusammenhang natürlich eine enorm wichtige Rolle. Meine Erfahrung als Filmemacherin liegt hauptsächlich im Bereich Mode und Beauty. Für mich ist das ein wunderbar seltsames und wunderschönes Subgenre. Es ist einfach, sich über die „Modeleute“ und ihre Obsession mit Dingen wie Frisuren und Make-up lustig zu machen. Immer wieder höre ich Witze, die darauf abzielen, dass es zwei Stunden dauert, Make-up aufzutragen, das dann nicht wie Make-up aussehen soll. Ich verstehe das sogar, aber manchmal sind diese Dinge wichtig. Die Details sind wichtig. Mode ist die älteste Form des Selbstausdrucks, und wenn man einen Film dreht, der eine Kollektion ins Zentrum stellt, dann ist es entscheidend, dass die Charaktere, die künstlerische Leitung und die Geschichte, die wir um die Kollektion herum aufbauen, perfekt mit eben dieser harmonieren.

Die pragmatischere Antwort lautet, dass es nicht einfach ist, in Worte zu fassen, wie genau das geschieht. Wir sind letztlich bildende Künstler und unsere Arbeit beruht auf unserem Geschmack, unseren Erfahrungen, unseren Einflüssen und unserem Vertrauen in die Menschen, mit denen wir arbeiten. Das muss nicht unbedingt „Sinn“ machen. Viele Entscheidungen werden instinktiv getroffen. Adam weiß beispielsweise genau, wenn ein Charakter für seine Kleidungsstücke „richtig“ ist. Meistens trifft er die endgültige Entscheidung, wenn es um bestimmte Looks für bestimmte Szenen geht.

Wenn wir den Kunden hier außer Acht lassen: Welcher Aspekt stellte die größte Herausforderung bei den „Flights of Fantasy“-Filmen dar und wie hast du diese überwunden?

Die größte Herausforderung bei Shootings im Allgemeinen ist es, die eigene Vision immer wieder verteidigen zu müssen, dafür zu kämpfen, während man sich gleichzeitig auf die eigene Fantasie verlassen muss. Das ist ein furchteinflößendes Gefühl. Gleichzeitig darf man die eigenen Zweifel aber niemals aussprechen, denn als Regisseurin muss man selbstbewusst voranschreiten und das Schiff in die richtige Richtung steuern. Wenn ich mir ein Konzept ausdenke, finde ich manchmal Inspiration bei anderen Künstlern und Werken, meistens sind es aber einfach Bilder in meinem Kopf, die dann hoffentlich Sinn ergeben. Wenn die Maschine anläuft, die dann alles zusammenbringt, arbeitet man mit großartigen Leuten, die großartige Dinge kreieren. Ein ganzes Team investiert Zeit und gibt sein Bestes. Schauspieler sprechen einen Dialog, der in meinem Kopf mit den Bildern harmoniert, die bis zu diesem Zeitpunkt aber ebenfalls nur in meinem Kopf existierten. 100 Leute am Set arbeiten zusammen und tun alles, um mich zu unterstützen und meine verrückte Vision zu verwirklichen. Alle vertrauen auf mein Versprechen, dass am Ende alles perfekt zusammenkommt. Ich bin sehr dankbar, dass die Schauspieler mir glauben, wenn ich sage: „Mach dir keine Sorgen, ich weiß, dass das jetzt vielleicht seltsam aussieht und du dir wie ein Idiot vorkommen musst, wenn du so komisch auf die Kamera zulaufen und einen verrückten Spruch schreien sollst, während du eine wundersame Requisite schwenkst – aber vertrau mir, das wird am Ende großartig aussehen.“ Je mehr Leute mir ihr Vertrauen schenken und alles geben, umso mehr hoffe ich, dass das dann auch tatsächlich alles funktioniert. Der Punkt ist, dass es keine Garantien gibt. Je weiter wir uns in unerforschte Gefilde vorwagen, verrückte Dinge ausprobieren, exzentrische Geschichten erzählen und uns von der etablierten kommerziellen visuellen Sprache entfernen, umso beängstigender sind die Dreharbeiten. Schließlich ist es riskant, Dinge anders zu tun. Aber wenn man es nicht versucht, dann entsteht auch nichts Besonderes, nichts Einzigartiges. Doch der Weg zu diesem Ziel ist furchteinflößend. Die Tatsache, dass die gesamte Crew – und am wichtigsten OB – mir voll und ganz vertrauen, macht die Last der Verantwortung schwer zu tragen.

Ich erinnere mich an den Abend, als wir im Kinoraum einer exzentrischen Villa in Kapstadt drehten, der – aus keinem ersichtlichen Grund – im Stil einer singapurischen Karaokebar gehalten war. Der Raum war unglaublich, aber er war dunkel und sogar ein wenig zwielichtig, also genau das Gegenteil von dem, für das Orlebar Brown steht. Außerdem war die Miete unglaublich teuer. Weder OB noch die Produktionsleute wollten dort drehen und schlugen vor, die Szene wegzulassen. In meinem Kopf aber machte sie Sinn. In der fertigen Version sollte die Szene der Ankunft auf der Insel vorangehen. Die beengende, dunkle, hedonistische Umgebung dieses luxuriösen Kinos sollte einen krassen Gegensatz zur puristischen Insel bilden. Das war mein Plan. Es spricht wirklich für OB und meine Produzentin Nancy, dass sie mir erlaubten, die Szene zu drehen, ohne sich einzumischen oder mir Steine in den Weg zu legen. Es war die letzte Szene des Tages und die Crew war ziemlich fertig. Carlos hatte gerade einmal 30 Minuten Zeit, um diesen riesigen Raum richtig auszuleuchten, und zu allem Überfluss schaltete sich die Stromsparfunktion ein, sodass die vorhandene Raumbeleuchtung ausging. Ich musste sieben Schauspieler anweisen, hatte nur 20 Minuten bis Drehschluss und die Produktion lag mir in den Ohren. Ich war die Einzige, die an die Szene glaubte, und in solchen Momenten beginnt man, die eigene Vision anzuzweifeln. Ein Schuldgefühl macht sich breit, da du etwas durchgesetzt hast, das sich nun als kompliziert erweist und das keiner wirklich wollte.

Aber wir drehten die Szene und sie ist Teil des Films. Ich bin immer wieder erstaunt, wenn sich die Dinge im Schnitt zusammenfügen und die vielen scheinbar zusammenhanglosen Aspekte der Filmemacherei zusammenkommen und plötzlich Sinn ergeben. Dieser Moment während der Drehaufnahmen war die größte Herausforderung und an keinem anderen Punkt des Projekts habe ich mich so unsicher gefühlt.

Welche Szene oder Sequenz der Filmreihe verkörpert das Wesen der „Flights of Fancy“-Kollektion deiner Meinung nach am eindringlichsten und warum?

Ich liebe die Szene, in der die Gruppe auf dem Strand der einsamen Insel Fußball mit einer Kokosnuss spielt. Sie bringt das Wesen der Kollektion auf den Punkt. Wir hatten nur wenig Zeit für die Aufnahmen, da wir an einem Strandabschnitt filmten, den die Flut schon bald abschneiden würde. Das Wasser kam unseren C-Ständern und Monitoren bereits gefährlich nahe, sodass wir für die gesamte Szene viel improvisieren mussten. Keine Requisiten, außer einer Kokosnuss, keine Beleuchtung, außer der Sonne, und keine Regieanweisungen, weder für die Schauspieler noch für den Kameramann am Schwebestativ. Als wir dann aber mit dem Filmen begannen, fügte sich alles ganz natürlich zusammen. Wir alle haben diese verrückte Situation an diesem wunderschönen Strand absolut genossen. Die Schauspieler haben die Kokosnuss herumgekickt, sich gegenseitig ins Wasser gezogen und sind vor Lachen fast zusammengebrochen – und all das, während die Runner verzweifelt versuchten, die Kameraausrüstung vor den Wellen zu retten. Keiner kümmerte sich um Make-up, Frisuren und all die anderen Dinge. Die Schauspieler hüpften einfach im Wasser herum, ihre Kleidung war voller Meerwasser und Sand – aber das war plötzlich gar nicht mehr wichtig. Alle hatten Spaß – authentisch und improvisiert – und es hat sich ganz natürlich und mühelos angefühlt und uns komischerweise zusammengeschweißt. Niemand folgte mehr dem Drehbuch, die Kleidung war nass, und doch war an diesem atemberaubend schönen Strand einfach alles perfekt. Die besten Momente ergeben sich vermutlich ganz natürlich, und dieses Gefühl, den Moment zu genießen – mit all den Facetten unerwarteter Schönheit –, verkörpert die Kollektion für mich.

Was sollen die Leute von den „Flights of Fantasy“-Filmen mitnehmen und wie möchtest du sie inspirieren?

Für uns war die transformative Qualität der OB-Filme zu jedem Zeitpunkt wichtig. Sie können dich von einem Pool im Stil von Slim Aarons nahtlos auf eine einsame Insel entführen. Unsere Handlungen sind bewusst romantisch, fast schon kitschig, und von eskapistischen Idealen inspiriert, nicht von der rauen Realität. Hoffentlich können wir Menschen für einen Moment dazu anregen, nach einem einsamen Strand zu suchen oder eine riesige Party zu feiern – entweder im übertragenen Sinn oder symbolisch.